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Australis: El new age que viene del sur

Con melodías instrumentales de gran riqueza, matizadas de texturas vocales y pobladas de arreglos étnicos y elementos acústicos, el músico tiende puentes entre distintos puntos del planeta.

Por Betty Aguirre-Maier
Entremares Magazine

Escuche a Australis

1.Australis-Adrift-Adrift


2.Australis-Adrift-Silhouettes


3.Australis-Adrift-Cursed


4.Australis-Adrift-DeepAmericas


5.Australis-Adrift-Fragile by design


6.Australis-Adrift-Afternoons in paradise


7.Australis-Adrift-142


8.Australis-Adrift-Homecoming


9.Australis-Adrift-Thelunatic-part two


10.Australis-Adrift-Slip away with me


11.Australis-Adrift-Epilogue


12.Australis-Adrift-Turnsoffaith

Australis es el proyecto musical que lleva a cabo el peruano Oscar Aguayo radicado en Utah, Estados Unidos, y siendo su único responsable, también  ha utilizado ese nombre como  marca personal. Australis se originó en 2004, cuando la agrupación musical en la que Aguayo componía, producía y era vocalista, se disolvió. Sin tener un plan exacto, decidió hacer composiciones sin los límites impuestos por la industria de la música. Aquella resultó ser una decisión afortunada. Pocos meses después, se hallaba lanzando al mercado su primer álbum: «Lifegiving» (2005), que fue acogido con gran éxito entre los seguidores del género new age e instrumental. Después vendrían otros trabajos musicales como «The Gates of Reality» (2008), «Sentient Genus» (2010) y su último álbum «Adrift” (2014), del cual se pueden escuchar fragmentos en esta publicación.

El new age (nueva era) es un género que tuvo sus orígenes en músicas autóctonas como la céltica, la africana o la tibetana, cuyos sonidos cobraron vigencia hacia 1960 al fusionarse con melodías ligadas a la meditación y la espiritualidad, propias de movimientos que buscaban potenciar la vida interior y la creatividad, pero que sobre todo buscaban despertar emociones en quienes la escuchan. El new age, debido a su versatilidad, ha permitido experimentos bastante peculiares como la construcción de melodías minimalistas, la creación de piezas mediante la repetición de matemática fractal y sincretismos con el jazz, el tango y la voz humana. Entre los representantes más renombrados de este género están el músico griego Vangelis, la banda alemana Cusco, la británica Sara Brightman –quien canta una variación del new age denominada classical crossover– y  la agrupación rumana Enigma, que ha realizado temas donde se priorizan los sonidos electrónicos.

En esta misma línea, Australis (que significa “del sur”) le ha otorgado a Aguayo y a su proyecto musical una peculiar identidad latina. Aguayo emigró a Estados Unidos hace casi 30 años y, como todo inmigrante, no se fue del todo de su país de origen y quiso tender puentes imaginarios de sensibilidad entre uno y otro punto del planeta. Al escuchar su música, descubrimos melodías instrumentales de gran riqueza, matizadas de texturas vocales y pobladas de arreglos étnicos y elementos acústicos.

La música de Australis ha sido posicionada por los medios y por el público en los géneros de new age, ambient, electronic y neoclassical, y ha llegado muy lejos, fuera de los Estados Unidos, hasta países del norte de Europa, en donde su audiencia siempre espera por nuevos trabajos y cuyas expectativas serán saciadas finalmente este año con el lanzamiento de «Adrift”.

En un diálogo con Entremares Magazine, Australis nos habla de lo que le conmueve y le inspira a crear cada tema, así como de su último CD, que será lanzado a mediados de mayo.

Entremares Magazine (EM): ¿En qué te inspiras?

Oscar Aguayo (OA): Quisiera tener una respuesta exacta para esta pregunta: algún aspecto específico de la vida al cual recurro constantemente por inspiración. Pero mi experiencia siempre ha sido mucho menos precisa, más difícil de localizar. Por un lado, pienso que lo que llamamos ‘inspiración’ es en realidad vulnerabilidad, y que todos somos vulnerables a ciertas cosas. Y cuando esas cosas – particulares para cada persona – se nos acercan: nos afectan, nos conmueven, nos sacuden. No importa de qué se trata, al final todos tenemos áreas de nuestra psicología que son más sensibles que otras. Así es más o menos como funciona para mí. Ocasionalmente se presentan conceptos nuevos, se dan situaciones inesperadas que tocan mi corazón con más fuerza de lo cotidiano. Es difícil señalar cuáles son con exactitud porque casi siempre se trata de cosas impredecibles. Esa es la forma en que yo experimento inspiración.

Por otro lado, cuando nos vemos afectados de esa forma, profundamente conmovidos por algo poderoso e imprevisto, no nos queda más que lidiar de alguna forma con esos sentimientos hasta que terminamos por digerirlos y seguir viviendo. De lo contrario perderíamos la cordura. Obviamente, todos hemos aprendido nuestras propias maneras de procesar esta clase de sentimientos. Algunos lloran, otros hablan, otros huyen, otros escriben… otros componemos música.

Aunque no puedo dar una respuesta específica a la pregunta, sí puedo dar un ejemplo. El tema «Little Clockmaker» (Pequeño Relojero), por ejemplo, nació de emociones que mi hijo (de seis años) plantó en mí luego de haber aprendido a leer las horas del reloj y, viéndome siempre ocupado trabajando, anunciara que iba a modificar el reloj de la casa para que vaya más despacio y así yo pudiera tener más tiempo para jugar con él.

Nunca sé por dónde va a venir lo que me conmoverá más adelante; pero cada vez que sucede, produzco nueva música. Así que solo necesito asegurarme,  permanecer sensible y atento.

EM:Este es tu cuarto CD, “Adrift”, A la deriva. ¿Qué  hay de nuevo en este trabajo?

Australis - Adrift (cover)OA: Como con mis discos anteriores, este disco contiene material completamente nuevo. Es decir, ninguno de sus temas ha sido publicado previamente y el oyente dispondrá de doce temas nunca antes escuchados.

Otra novedad es la segunda parte de la suite «The lunatic» (El lunático). La primera parte fue lanzada en el álbum anterior (Sentient Genus) en el 2010. La segunda parte, incluida en «Adrift», es la continuación a partir de donde se quedó la primera.

Una confesión personal acerca del álbum, sin embargo, es que ha sido producido durante un periodo muy duro de mi vida. Durante los tres años que me ha tomado componer todos los temas del disco he tenido que enfrentar situaciones muy adversas, situaciones de esas que te desestabilizan y modifican las estructuras sobre las que has construido tu vida. Esa es la razón por la que producir «Adrift» ha tomado tanto tiempo. Pero al mismo tiempo, esas experiencias son las que dieron luz a varios de los temas de este nuevo disco.

EM:¿Qué lugar tiene la música new age en el mundo de hoy?

OA: Cada género musical en el mundo está definido por ciertos parámetros acústicos y de estilo. Por eso es que se puede diferenciar un género de otro. Por ejemplo, el jazz posee características que el rock no tiene; y el rock tiene características que no están presentes en el reggae. Y así sucesivamente. En contraste, el new age es uno de los géneros musicales menos definidos de todos. Las características que lo definen son tan amplias que el género presenta mucha más riqueza y variedad de estilos de las que existen en otros géneros.

Por esas razones, el new age es el género al que acuden compositores que desean completa libertad creativa. Compositores que persiguen experimentar, crear nuevas fusiones de estilos, compositores que desean salir de lo convencional y lo trillado a fin de producir material intrínsecamente original. Para el oyente, esto se traduce en un género lleno de sorpresas, lleno de innovaciones; un género que se sale de la norma popular y trae más bien estructuras novedosas, paisajes acústicos no encontrados en ningún otro estilo musical.

Obviamente, esto aísla un poco al new age de las corrientes populares que, todos somos testigos, prefieren seguir escuchando ‘más de lo mismo’. Entonces el new age termina siendo un estilo musical reservado y valorado por oyentes cuyos gustos están más allá de lo común. Ese es el lugar que el new age ocupa hoy y ha ocupado desde sus inicios a fines de los sesentas: un género musical para el oyente que gusta de salir de lo típico y lo ordinario, para el oyente que busca explorar y evocar más allá de donde llegan los géneros populares.

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Urabá Conexión: En busca de la tierra prometida

El colectivo musical rescata la vibrante tradición musical del Caribe colombiano con la fusión de ritmos urbanos.

por Betty Aguirre-Maier
Entremares Magazine

 

Cortesía de Urabá Conexión
Cortesía de Urabá Conexión

Urabá, “tierra prometida” en lengua katía, es un territorio lleno de contrastes, y no es para menos. Un cruce de caminos entre el Pacífico, el Atlántico y tierra panameña, esta región ha sido hogar de grupos indígenas como los kuna y los emberá katío y un obligado paso de migrantes. Con una tradición vibrante y dinámica, forjada por su composición multiétnica y pluricultural, Urabá también ha sufrido de los estragos del conflicto armado que ha azotado a Colombia durante más de medio siglo.

Es en esta paradójica tierra donde nace el colectivo musical Urabá Conexión, un proyecto que busca resaltar la riqueza musical de Urabá y promover la paz a través del arte, según su líder Juan Henao.

Las semillas de este proyecto, de hecho, empezaron a germinar a cientos de kilómetros de Urabá, en Bogotá, donde Henao realizó sus estudios musicales. Después de nueve años en la capital colombiana, Henao decidió regresar a su ciudad natal de Carepa, en el departamento de Antioquia, para armar un estudio de grabación desde el cual fomentar y proyectar la tradición y el talento musical de la zona.

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Cortesía de Urabá Conexión

 

Y es que para Henao, la posición geográfica de Urabá tiene tanto aspectos positivos como negativos. La porosidad costera ha permitido la llegada rampante de géneros musicales como el reggaetón que tienden a relegar la música tradicional de la zona, pero que también presentan la posibilidad de fusión e hibridez. Así, en manos de Urabá Conexión, el reggaetón se fusiona con, por ejemplo, el bullerengue (un género de danza y música cumbia predominante en la zona del Darién panameño y el Caribe colombiano). El objetivo es simple, dice Henao: “[crear] un ritmo que incluya las varias culturas que convergen en la zona”.

El video “Las cruces”, dirigido por la realizadora audiovisual Simona Malaika y presentado en esta edición de Entremares Magazine, es un acertado intento por mostrar al mundo “la cotidianidad de la región”, la geografía y las tradiciones que los une e identifica. Pero más allá de este intento didáctico, Urabá Conexión quiere despojar a la región de la imagen de violencia formada durante años de conflicto armado y devolverle la calidez y riqueza que tuvo en un tiempo.

[alert type=»yellow»]Urabá Conexión El colectivo musical Urabá Conexión está integrado por: Carolina Peralta, cantante; John F. Garcés, rapero; Carlos M. Henao, bajista; Mauricio Chaljub, trompetista; Jorge E. Chica P., saxofonista; Javier Reales N., percusionista; Mauricio Araya S., DJ; Roni Valdez C., artista invitado; y, Juan Henao (Juan Nativo), baterista, productor y director.[/alert]

IMG_9565Juan Henao (Caracoli, Colombia, 1983). Músico, percusionista y productor musical, director del colectivo Urabá Conexiòn. A los 15 años empieza su carrera musical en el municipio antioqueño de Carepa. Estudió música con la Sinfónica Juvenil de Colombia y cursó algunos semestres de producción musical en la universidad de San Buenaventura. En 2012 inicia el proyecto de rescate de la música tradicional de la zona, el bullerengue, con el grupo Bananeras de Urabá de Turbo, Pabut. Como complemento de este proceso funda su sello musical Nativo Records.

Música: Balada Preludio

El pianista colombiano David Reyes Henao hace un viaje musical a través de la inocencia y la confrontación de los sentimientos.

Balada Preludio” es una obra que tiene un tema principal sencillo y romántico, el cual se caracteriza por un ambiente musical brillante y una métrica que sugiere el estilo de una balada pop. Su desarrollo a través de modulaciones a diferentes tonalidades hacen que esta obra sea un hilo conductor que nos lleva desde la inocencia hasta la confrontación de los sentimientos, terminando con una atmósfera sonora de tranquilidad sin resolver.

~David Reyes Henao

David Reyes Henao

HeanoNació en Bogotá en 1983. Inició sus estudios musicales a los 7 años, influenciado por su abuelo, el maestro Felipe Henao, quien le enseñó el estudio del piano. Realizó sus estudios formales en la Universidad Sergio Arboleda, de donde obtuvo el título como maestro en música. Ha realizado presentaciones como solista en escenarios como la casa Graw, el museo Nacional y el auditorio de la USA, entre otros. Fue merecedor del premio Sofía de Hernández, otorgado por la Universidad Sergio Arboleda en el 2003 y también fue seleccionado para representar a la universidad en el III festival de música en Cartagena, realizado en el 2009. En diciembre del 2012 realizó un concierto en el Auditorio Los Fundadores, donde presentó la obra “Suite Latina”, pieza de su autoría con arreglos para cuatro teclados y batería/percusión. En la actualidad se desempeña como pianista de diferentes escenas de Bogotá. Su perfil como compositor es nacionalista con una fuerte influencia de la música afro-cubana.
Puede contactar a Reyes Henao por correo electrónico: dreyeshenao@gmail.com